这是艺术家的声明
我的绘画诞生于与四万多人持续对话的积累。
多年来，我始终与来自不同背景的人们进行深入交流，倾听他们的声音。希望、不安、失落、爱、冲突，以及足以改变人生的抉择——每一次对话，都沉淀并铭刻在我的身体之中。
我并不描绘他们的故事，而是接纳这些对话留存在身体中的痕迹，并将其转化为绘画。
我不用画笔，而是直接以双手作画。无数对话的记忆因此转化为抽象的色彩与身体性的痕迹。在作品的表面，留存着人与人相遇时所产生的动作、沉默，以及那些无法用语言表达的张力。
我的创作植根于日本“侘寂（Wabi-Sabi）”的精神。它接纳不完美、无常，以及那些始终未被解决之事物所蕴含的美。我希望描绘的并非个体，而是由无数人的经验不断叠加、交织而形成的社会本身。
我将这一实践命名为”社会的抽象”（The Abstraction of Society）。
这是一种创作实践：人与人之间的对话不断积累于身体之中，并最终转化为绘画。我的作品并非将个体的内在世界抽象化，而是提出一种前所未有的抽象表达——将由四万多次对话所显现出的“社会本身”加以抽象化。
艺术概念
我的绘画试图停留在尚未被归结为完成或和谐之前的状态。在其中，存在着不安、绝望、冲突、摇摆，以及尚未消失的呼吸。我并不将这些描绘为已经被解决的事物，而是希望将它们作为被承载着、仍持续存在的状态保留在画面之中。
在近年来的创作中，“未完成”的感受对我而言变得尤为重要。但这并不意味着未完成或被搁置的状态。相反，它是一种方法：在承受画面试图走向一个稳定结论的压力之下，仍然不完全闭合、不完全解决、不完全平衡，并有意识地维持这种状态。
我所追求的，并不是呈现一个完成的秩序。色彩的冲突、痕迹的叠加、运动的中断、密度的偏移以及被保留下来的空白——这些不同的要素并不被整理为一个单一的答案，而是在同一画面中持续共存。在其中，我看到了与人类在现实中生存方式相近的某种状态。我们并不是在完全解决伤口与裂痕之后才继续生活，而是在多数情况下，带着它们走向下一段时间。对我来说，绘画是一个空间，让这些未被解决的存在重新被接纳——不是作为否定，而是作为一种肯定。
从这个意义上来说，“未完成”在我的作品中不再只是表面的印象，而逐渐成为使画面得以成立的结构性判断。推进到何处、在何处停止、哪些内容不予解决而保留、哪些冲突被刻意维持、哪些空白作为呼吸被留下——通过这些选择，我在探索一种“通过不闭合而成立的绘画”的可能性。
在当前的创作中，我正将这种“对未完成的肯定”深化为一个系列性的主题。尽管每件作品在色彩、结构、时间性与情感密度上各不相同，但始终围绕着同一个问题：在承载未被解决之物的同时，画面如何仍然得以成立？对我而言，肯定并不意味着单纯的明亮或救赎。它表现为不完全崩塌而仍然存留，表现为呼吸未被消失，表现为在过剩之中仍然存在的空隙，以及在不抹去伤痕的情况下对存在的承接。
我的绘画并非为了呈现一个完整封闭的世界，而是试图创造一个场域，使多重情感、多重时间与多重痕迹在未被完全封闭的状态下共存。这种未完成性并非缺失，而是一种保持开放的形式，而我也正是在其中，看到了绘画在当下依然能够承载的切实与迫切。
批评性解读
三枝浩子的绘画具有不同于一般抽象绘画的出发点。
这一出发点源于艺术家多年来作为占卜师所积累的对话经验。
在与超过四万名来访者的接触中，她的实践始终围绕着人类具体的生活经验展开——爱情、家庭、工作、疾病以及人生的选择。
这些对话逐渐沉积于艺术家的身体之中，并最终在绘画行为中以身体性的动作显现出来。
三枝的作品并不描绘特定的人物或具体的叙事。
然而，在画面之上，长期对话中所接收的情感、张力与希望，以笔触与色彩流动的形式作为痕迹浮现出来。
从这一意义上来说，三枝的绘画并非个人内在情感的表达，
而是人类对话经验在抽象画面上的沉淀与定着。
画面中虽不出现人物形象，但其中却叠加着无数人生的片段。
因此，三枝浩子的作品可以被视为一种社会情感的风景——由匿名个体的经验不断累积而成。